21 reglas de composición más importantes en fotografía

Hay una serie de reglas importantes de composición en fotografía.

La composición en la fotografía se trata de qué incluir o dejar fuera de su marco. También se trata de cómo decides colocar los elementos en la escena.

En lugar de pensar en ellos como “reglas”, considérelos como pautas para hacer que sus imágenes sean más atractivas e interesantes visualmente.

Edificios en escala de grises que forman un marco triangular
Foto de Ricardo Gomez Angel en Unsplash

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1. Use la regla de los tercios para agregar intereses

Redactar usando la Regla de los Tercios significa colocar al sujeto principal un tercio del camino en la imagen. Colocar el sujeto fuera del centro es mucho más interesante que colocarlo en el centro.

Muchas cámaras, incluidos los teléfonos inteligentes, pueden superponer una cuadrícula de la regla de los tercios en la pantalla. Parece un juego de tic-tac-toe. Dos líneas horizontales y dos líneas verticales dividen el marco en tercios.

Al fotografiar, coloque su sujeto principal en una de las líneas. Ya sea horizontal o verticalmente.

Los “puntos de colisión” son donde las líneas se cruzan. Si puede, coloque su sujeto de enfoque donde las líneas se cruzan.

Caballos en un campo con la cuadrícula de composición de la regla de los tercios superpuesta
Esta imagen muestra las líneas de cuadrícula de la regla de los tercios con puntos de colisión en un círculo. Observe cómo los caballos ocupan 2/3 de la imagen. El ojo del caballo de adelante está en un punto de choque. Además, observe que hay tres caballos. Este también es un ejemplo de la regla de las probabilidades (consulte la regla n. ° 2).

2. Simplifique una escena con la regla de las probabilidades

La regla de las probabilidades es una forma de simplificar una escena compleja con muchos sujetos posibles. En general, encontramos un número impar de temas más interesante que un número par.

Tres es un número mágico, pero cinco o siete también funcionan.

La regla de las probabilidades nos ayuda a seleccionar cuidadosamente nuestros sujetos. La regla nos guía sobre qué incluir y qué omitir.

La regla de las probabilidades también nos recuerda que debemos aislar a nuestro sujeto en una escena ajetreada. Uno es un número impar.

foto de tres piedras colocadas en una línea

3. Concéntrese en su sujeto llenando el encuadre

Llenar el encuadre consiste en acercarse al sujeto. Muy cerca.

Haga que su tema principal sea claro y distinto. Pregúntese, ¿cuánto cielo realmente necesita? ¿Cuánto fondo?

Podemos llenar el encuadre usando una lente de zoom y acercándonos fotográficamente a nuestro sujeto. Pero a menudo es mejor “hacer zoom con los pies”. Acérquese físicamente a su sujeto.

En el posprocesamiento, considere recortar más el sujeto para llenar el encuadre.

Un díptico de escena callejera antes y después de la edición
La imagen de la izquierda es la original. Recorté la imagen de la derecha mucho más apretada eliminando gran parte del cielo y el pavimento. La imagen original está en orientación vertical, pero la cambié a orientación horizontal (ver Regla n. ° 5).

4. Elija una profundidad de campo adecuada

La profundidad de campo decide qué parte de la imagen debe estar enfocada. Esto no es tanto una regla como una decisión de composición que debes tomar.

Una profundidad de campo baja significa que solo una pequeña parte de la imagen está enfocada, generalmente el sujeto. El fondo está borroso.

Una profundidad de campo profunda significa que la imagen está enfocada de adelante hacia atrás.

Utilice poca profundidad de campo para difuminar los fondos que distraen. Los fotógrafos deportivos difuminan los fondos para que los atletas se destaquen entre una multitud ocupada. Para obtener una profundidad de campo reducida, utilice una apertura amplia como f2.8.

Generalmente, utilice una profundidad de campo profunda para la fotografía de paisajes . Para enfocar toda la escena, use una apertura estrecha como f16.

Un primer plano de flores amarillas en un campo
La poca profundidad de campo aísla las flores individuales en un campo.

5. Utilice la mejor orientación para la escena

La orientación y la relación de aspecto determinan qué parte de la escena captura en una imagen.

La orientación se refiere a si sostiene la cámara horizontal o verticalmente. La relación de aspecto es el tamaño de la imagen tomada por la cámara.

Si hay muchos elementos verticales o altura en su imagen, use la orientación vertical. Sostenga su cámara verticalmente.

Si hay muchos elementos horizontales o ancho en su imagen, use la orientación horizontal. Sostenga su cámara horizontalmente.

No olvide que tiene una opción panorámica . Por lo general, pensamos en los panoramas como imágenes horizontales largas, pero también pueden ser verticales.

A menudo tomo la foto en ambos sentidos y veo lo que me gusta más tarde. A menudo pruebo diferentes proporciones y cultivos en el posprocesamiento.

6. Enderezar las líneas para obtener una imagen estéticamente agradable

Enderece las líneas que deben ser rectas.

No todas las líneas en una imagen necesitan ser rectas, pero hay algunas líneas que se espera que sean rectas. Por ejemplo, la línea del horizonte en un paisaje. La inclinación del horizonte en una imagen se nota y distrae inmediatamente.

Un díptico de un espectáculo de fuegos artificiales antes y después de la edición.
Choqué con mi trípode durante una exhibición de fuegos artificiales (izquierda). El horizonte inclinado es fácil de arreglar en el posprocesamiento (derecha).

Muchas cámaras y trípodes incluyen un nivel. Utilice estas herramientas para orientar su cámara. También es fácil corregir una línea inclinada en el posprocesamiento.

Las líneas rectas también son importantes en arquitectura. El uso de una lente gran angular a menudo distorsiona las líneas. Deje espacio a ambos lados de un edificio para que pueda enderezar las líneas en el posprocesamiento.

En una imagen con muchas líneas diferentes, elija una para que sea su enfoque principal. Haga esta línea recta incluso si las otras están un poco desviadas.

7. Cree profundidad con líneas principales

Nuestros ojos siguen naturalmente las líneas a través de una imagen. Las líneas principales dirigen nuestra mirada al tema principal. Si se usan bien, las líneas principales crean una sensación de profundidad .

Las líneas pueden ser líneas reales o estar implícitas en elementos de la escena.

A veces, las líneas son rectas y conducen directamente al sujeto. Otras veces, el viaje es indirecto. Las curvas en S son las favoritas de los fotógrafos.

Las líneas principales llevan a alguna parte. Si una línea no lleva a ninguna parte o saca el ojo del marco, cambie su posición. Muévase hacia la izquierda o hacia la derecha o hacia arriba o hacia abajo.

El paisaje urbano de St. Louis y el Gateway Arch al atardecer
Esta imagen está llena de líneas que conducen al paisaje urbano de St. Louis y al Gateway Arch. Las nubes, el reflejo de las nubes y el puente son líneas principales. Esta imagen también incluye rocas como elemento de primer plano (ver Regla # 19).

8. Use líneas diagonales para agregar energía

Las líneas diagonales añaden interés y energía a la composición fotográfica. Intente fotografiar líneas en una diagonal fuerte en lugar de rectas en el marco.

Asegúrese de que su diagonal sea obvia. Una pequeña inclinación hacia una línea parece un error.

Piense en dónde se cruzan las líneas. Las líneas convergentes llaman la atención. Además, considere dónde entran o salen las líneas del marco. Los fotógrafos a veces intentan que una línea entre o salga del marco en una esquina.

Vista de pájaro de una escalera de caracol
En lugar de enderezar las líneas de esta escalera de caracol, las cambié a una diagonal.

9. Atraiga la atención usando la luz

Nuestros ojos van naturalmente a la parte más brillante de una imagen. Saber esto afecta la forma en que componimos una imagen. El tema principal debe ser la parte más brillante de la imagen.

Los fotógrafos de retratos utilizan flash o reflectores para resaltar los rostros de sus modelos.

En el posprocesamiento, técnicas como esquivar y quemar dirigen el ojo. Esquivar es iluminar selectivamente ciertas partes de la imagen. Quemar es oscurecer selectivamente ciertas partes de la imagen.

Un primer plano de las gotas de lluvia sobre las hojas.
Utilizo muchas evasiones y quemaduras en el posprocesamiento para guiar los ojos de mi espectador hacia los elementos importantes del encuadre.

10. Usa el espacio negativo alrededor de los objetos.

El espacio negativo es el uso del espacio entre o alrededor de los sujetos como un elemento importante en la imagen. El espacio negativo se convierte en su propio sujeto con su propia forma.

El espacio negativo puede mostrar escala o implicar una emoción como “vacío”.

A veces es difícil ver el espacio negativo porque estamos muy acostumbrados a enfocarnos en un tema. Intente voltear sus imágenes al revés en el posprocesamiento. Esto te ayudará a ver el espacio sin estar demasiado concentrado en los detalles de tu tema principal.

<img loading="lazy" class="wp-image-270706 size-full" src="https://expertphotography.com/wp-content/uploads/2021/02/Composition.rules_.mishra.negative.jpg" alt="Cuatro cisnes en un lago" width="700" height="478" srcset="https://expertphotography.com/

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